Por qué hablar de eventos culturales
La cultura es el cultivo de sí, por esto decidí hablar de eventos culturales que muestran el sentir del sujeto, además lo ayudan a afirmarse cuando fortalece su identidad.
Cabe anotar que, el sujeto se afirma, en tanto que afirma a través de sí una potencia creativa, como sujeto de acción que crea su propia realidad. En este sentido, según La Rouche[1], cuando cambiamos el universo al descubrir y aplicar un principio –el principio de poder comunicarse por medio del arte- lo que hacemos es aplicar algo invisible, que no puede reducirse a un símbolo, es decir un principio universal. Aplicamos eso al universo y, con ello, el hombre aumenta su poder sobre el mismo y sobre los que lo rodean.
Otra de las razones de, por qué el arte reafirma el sujeto, es que el arte es lenguaje y el lenguaje, como dice Antonio Aguilera, nos permite sacar las pulsiones del ser humano, en la medida en que la obra de arte es un entrecruzamiento de los sentidos y a la vez explora todos las posibles pulsiones de la vida.
Por último Michel Foucault nos habla del cultivo de sí como formador del alma, que además ayuda al hombre a labrar sus propias emociones y prácticas corporales que hacen al cuerpo más vital.
Como podemos ver el cultivo de sí es una herramienta muy importante para el ser humano, pues de esta manera llega a conocerse a fondo, porque implica poner en cuestión lo que uno es y lo que es capaz de hacer, esto por supuesto se ve reflejado en la cultura
[1] LA ROUCHE, Lyndon. El poder del arte clásico [online] [consultado, 27 nov, 2005] Disponible en:<http://www.larouchepub.com/spanish/lhl_articles/2003/PoderDelArte.html>
La donna è mobile. Los tres tenores
Aquí se van a dar cuenta porqué digo que es tan pegajosa
Simplemente ÓPERA!
Lamento nunca antes haber asistido a la ópera. Tengo que empezar con esta frase pues ese es el sentimiento después de haber ido a ver los “Momentos estelares de la ópera” con la Orquesta Filarmónica de Bogotá, donde se presentaron los diez mejores cantantes de ópera del país.
Mi único contacto con este género musical fue cuando mi papá decidió comprar el casete (a principios de los noventa) que recogía uno de los conciertos de los Tres Tenores. La única canción que recuerdo era una muy pegajosa llamada “La donna è mobile” que, ahora sé, trata de lo voluble que podemos llegar a ser las mujeres, porque según la canción cambiamos de palabra y de idea. En fin… sin comentarios.
Volviendo al evento inspira este texto, La cita para asistir fue el domingo 11 de noviembre de 2007 a las 11 de la mañana, por cierto una hora bastante rara para asistir a ópera. El evento clausuraba la décima versión de Ópera al parque, que hacía parte de la temporada “Bogotá cada vez más clásica”.
Para seguir con la parte técnica, se presentaron Gloria Londoño, Martha Senn, Yenny Lorena Restrepo, Manuel Contreras, Valeriano Lanchas, Juan Carlos Mera, además de los Becarios del Concurso de Canto: Claudia Patricia Coral, Hans Ever Mogollón y los destacados en el Concurso Nacional de Canto 2007: Narda Karinna Muñoz y Camilo Eduardo Mendoza. Dicho esto puedo avanzar con mi experiencia en el evento.
Lo primero y lo único que tengo para criticar es que no se nos entregó programa a los asistentes, por esto no puedo decir quién cantó qué, pues al principio de cada canción solo aparecía el nombre de la misma y el compositor. Por otro lado, y gracias a mi poco conocimiento del tema solo pude reconocer a Valeriano Lanchas, y Martha Senn, quién además es la Directora de la institución que organizó el evento.
Llegue al teatro a las 10:00 AM por miedo a quedarme sin boletas para la función, y tenía razón, pues la cantidad de gente que había a esa hora anunciaba el lleno total del aforo. Mientras hacía fila me preguntaba cómo este evento era capaz de reunir personas de todas las clases sociales, y edades (aunque no vi muchos adolescentes), y no sé si tenga la respuesta, pero personalmente, la capacidad de la voz humana cada vez me sorprende y me encanta más. Creo que desde que tengo uso de razón el canto y la música en general me parecen un don mágico dado a ciertas personas para deleitar al resto de la humanidad. Por supuesto, el Bel canto es la mayor evidencia de lo que digo.
El espectáculo empezó con un par de canciones interpretadas por la Filarmónica de Bogotá, y en seguida entró el primer cantante con Nessun Dorma. Al escuchar las primeras palabras de la canción quedé atónita, e inmediatamente me di cuenta de que he pasado 20 años perdiéndome de la máxima expresión de la voz dentro de lo que llamamos clásico.
Nessun Dorma es el aria del acto final de la ópera Turandot de Giacomo Puccini, cuyo título se traduce del italiano como “Nadie duerma”. Además era la canción por excelencia de Luciano Pavarotti. El aria es un canto angustioso a la princesa Turandot quien es una mujer dura y fría que se niega a ser desposada, y para esto inventa tres acertijos, quien los responda podrá casarse con ella, pero quien no lo haga morirá. Después de mucha sangre derramada, el príncipe de Persia encantado por la belleza de Turandot decide tratar de resolver los acertijos y en efecto lo hace, la princesa al verse derrotada implora a su padre que no sea entregada a un extranjero, pero el rey no puede hacer nada. Por su lado, el príncipe al ver esto le dice a Turandot que si adivina su nombre antes del alba él morirá.
Aquí es donde entra la bellísima Nessun Dorma en la que el príncipe revela el amor que siente por Turandot y el dolor que le causa su frialdad.
Aquí la letra y la traducción
| Il principe ignoto Nessun dorma! Nessun dorma! Tu pure, o Principessa, Nella tua fredda stanza Guardi le stelle Che tremano d’amore e di speranza. Ma il mio mistero è chiuso in me, Il nome mio nessun saprà!, no, no Sulla tua bocca lo dirò fremente!… (Puccini: Quando la luce splenderà!) Solo quando la luce splenderà, (Puccini:No,no,Sulla tua bocca lo dirò) Ed il mio bacio scioglierà il silenzio Che ti fa mia!… Voci di donne Il nome suo nessun saprà… E noi dovremo, ahimè, morir, morir!… Il principe ignoto Dilegua, o notte!… Tramontate, stelle! Tramontate, stelle!… All’alba vincerò! vincerò! vincerò! | El príncipe desconocido ¡Nadie duerma! ¡Nadie duerma! ¡Tampoco tú, oh Princesa, en tu fría estancia miras las estrellas que tiemblan de amor y de esperanza…! ¡Pero mi misterio está encerrado en mí, ¡Mi nombre nadie lo sabrá!. No, no No,no, sobre tu boca lo diré (Puccini: Sólo cuando la luz brille) Sobre tu boca lo diré temblando (Puccini: ¡cuando la luz brille!) ¡Y mi beso romperá el silencio que te hará mía.! Voces de mujeres Su nombre nadie sabrá… ¡Y nosotras, ay, deberemos, morir, morir! El príncipe desconocido ¡Disípate, oh noche! ¡Tramontad, estrellas! ¡Tramontad, estrellas! ¡Al alba venceré! ¡Venceré! ¡Venceré! |
Y por supuesto la interpretación de Nessun Dorma por parte del gran Luciano Pavarotti en su última aparición pública Después de está canción vino Tu che di gel sei cinta también de la ópera Turandot. Esta canción es interpretada por Liu, una esclava quien es la única que sabe el nombre del príncipe persa, pues está enamorada de el. Debido a esto toma la decisión de suicidarse, pues si ella revela el nombre de su amado será el quien muera. La traducción es la siguiente:
Tú que estás rodeada de hielo/ Invadida por semejante llama/¡Lo amarás también!/¡Lo amarás también!/Antes del amanecer/Yo cerraré cansada mis ojos P/ara que él pueda ganar otra vez/Para no ¡Para no verlo más!/Antes del amanecer/Del amanecer/Yo cerraré cansada mis ojos/¡Para no volverlo a ver!
La mujer que interpretó la canción, logró solo por medio de su voz –pues los cantantes no hacen grandes gestos con su rostro- transmitir el dolor del sacrificio de la esclava que decidía morir por amor. Aquí puedo concluir que aunque poco o nada sé de ópera, lo único que me guió fue el sentimiento y la emoción que produjeron la música y la voz en mí. Y creo que esta perspectiva es igual de valiosa a la puramente técnica.
FOTOS DEL EVENTO!!: http://www.culturarecreacionydeporte.gov.co/galerias2007/opera/index.htm
N’voz, la primera banda vocal de Colombia
N’ voz es la primera banda vocal de Colombia, o bueno por lo menos eso es lo que sus cinco integrantes afirman y a decir verdad es la única que yo he visto, y no pienso contradecirlos. Primero tengo que decir que lo que hace una banda vocal es interpretar instrumentos y la canción completa con la voz, lo cual de por sí ya es bastante asombroso.
Ese día en el Teatro Jorge Eliecer Gaitán, y en el marco del festival Música del mundo de la Secretaría Distrital de Cultura, Recreación y Deporte, N’ voz entró cantando una cumbia, siguió con una canción de Black Eyed Peas, continuó con algo de música norteamericana y ¡hasta nos cantó un vallenato! Todo esto única y exclusivamente con los sonidos que salían del aparato vocal de estos cinco músicos.
En la primera canción pensé que había una pista o algo por el estilo, que los acompañaba, por esto me dediqué a mirar y detallar a cada uno y el sonido que emitía, y terminé, efectivamente, separando e identificando quién interpretaba cuál instrumento. Además de corroborar el esfuerzo tan grande que hacía cada uno para hacer sonar su instrumento.
A parte de impresionarme por la destreza y habilidad de estos músicos, me impactó la única voz femenina del grupo, que además de ser muy bonita le da el toque perfecto para que el grupo suene diferente, porque creo que solo con hombres no sería tan interesante como lo es.
En conclusión, me encantó la propuesta de N’ voz, es algo que a todos no parece haber visto antes, pero les aseguro que no del modo en que lo realiza este quinteto. ¡Ah! El próximo año sale a la venta su primer disco, desde ya me apunto como segura compradora. En serio les recomiendo ver una presentación del grupo, es realmente impresionante
- Les quedó debiendo la foto, pero en el teatro fue imposible tomar algo. Si quieren ver más de la banda http://www.nvoz.net/
Boleros: Una pausa
Ese mismo día en el Teatro Jorge Eliecer Gaitán, Lorena Bloom anunció que nos iba a cantar boleros. Mi hermana y yo nos miramos con algo de desconcierto, pues estábamos esperando mezclas y sonidos de lugares lejanos, y por supuesto nos imaginamos grupos jóvenes. Sin embargo, esa noche una voz en off anunciaba a Lorena Bloom cantando boleros. Bueno, ya no había nada que hacer, pues fuimos hasta el teatro un lunes muy lluvioso a las 7 de la noche y ya no tenía sentido regresarnos. Aunque creo que en realidad ninguna de las dos pensó en hacerlo, pues a ambas nos encanta el arte y el bolero era nuevo para nosotras.
La cantante empezó haciendo comentarios y hablando con el público para romper el hielo, y tengo que decir que lo hizo muy bien, pues antes de que empezara a cantar ya todos teníamos una actitud muy receptiva y abierta. No recuerdo cual fue la primera canción, ni la segunda, de hecho solo me acuerdo de una muy conocida llamada “Contigo en la distancia”, que cantó casi al final de su repertorio, de igual manera no me interesan mucho los nombres de las canciones, pues lo que quiero es hablar desde lo que provocaron en mi los boleros.
La voz de la cantante es excelente y le da muchos matices, lo que la hace muy agradable al oído. Por otro lado, su presencia y la manera tan segura de desenvolverse en el escenario generan en el espectador la sensación de no estar frente a una novata, sino frente a alguien que sabe como moverse frente a su auditorio, y que además lo ha aprendido con la experiencia.
El bolero, como otros tipos de géneros musicales que ya casi no se oyen, necesita que el espectador se detenga, que haga una pausa y se deje invadir por la melodía, la voz y la letra. Sin esto no es posible apreciar ni escuchar el bolero. Por supuesto, creo que esta es la mayor causa de su poca acogida en las nuevas generaciones, que buscan emociones inmediatas y efímeras que no representen ningún tipo de compromiso. El bolero si lo necesita.
Este género habla de amor y desamor, pero en esta pequeña muestra de Lorena Bloom habló más de amor, y del cúmulo de sentimientos que se reúnen en el cuerpo de los enamorados. Si uno tiene la capacidad de detenerse un momento, las letras logran tocar y afectar profundamente, y como dijo Lorena, ojalá me enamoren con un bolero y no un reggaeton.
Siento mucho la calidad de la foto, pero es complicado tomar fotos en un teatro, sobretodo cuando es prohibido…
Yo, protagonista del evento cultural
Festival de Danza Urbana
El Festival de danza Urbana es hecho por la Secretaría Distrital de Cultura, Recreación y Deporte anualmente para incentivar y fortalecer esta práctica en Bogotá. Dentro de danza urbana se consideran ritmos como el pop, hip hop y break dance. El Festival consiste en elegir a los diez mejores grupos de la ciudad y este año tuve la oportunidad de participar.
Zigma es un grupo de seis bailarines que aman la danza urbana y gracias a que una de sus bailarinas dejó el grupo, faltando 3 meses para las eliminatorias, tuve la posibilidad de ingresar al grupo.
Lo más complicado era adaptarme a un grupo que ya tenía cierta dinámica de trabajo y ¡todas las coreografías aprendidas! Por lo que mi trabajo incluyó ensayos de tres horas, cuatro días a la semana y tres horas más los sábados y domingos. Sin embargo, no me quejo en absoluto de tan arduo trabajo, pues en primer lugar lo necesitaba, pues nunca había bailado pop o hip hop para un gran evento como este, y en segundo lugar agradezco lo mucho que aprendí en tan solo tres meses.
La coreografía tenía que durar 15 minutos, además debíamos tener escenografía, una pista muy buena, y nosotros decidimos añadirle tres vestuarios diferentes que cambiaríamos a lo largo de la presentación.
Se presentaron 30 grupos aproximadamente y hubo dos eliminatorias para llegar a los diez finales. En nuestra primera presentación tuvimos algunos inconvenientes, empezando porque faltaba media hora para empezar y la mitad del grupo no había llegado al teatro aún, lo mejor es que ¡abríamos el evento! Faltando 15 minutos llegaron los tres bailarines que se demoraron porque traían la escenografía. Al momento de salir mi familia, que por supuesto iba a verme, no había llegado, y lo más triste es que llegaron justo cuando ya habíamos terminado. Por otro lado, había un pedazo de la coreografía en la que usábamos sillas, y los hombres tenían que sacarlas al escenario, mi compañero de baile no salió con la silla en el momento que debía, así que me tocó bailar con una silla imaginaria. Lo bueno es que a pesar de los pequeños percances nos llamaron para la segunda eliminatoria.
En esta segunda presentación todo salió casi perfecto, y digo casi, porque cuando uno cree que todo está perfecto deja de esforzarse. Ahora solo faltaba esperar la llamada de los jueces para que nos dijeran si estábamos entre los diez ganadores o no. La espera duró tres largos días, pues estábamos ansiosos por ver si tanto esfuerzo había tenido buenos frutos. Finalmente la llamada llegó y con excelentes noticias, pues nos habían seleccionado entre los diez mejores grupos de Bogotá y teníamos la presentación final en la media torta.
Ese día fue maravilloso, por lo menos para mí. Sentía que después de todo el sacrificio había logrado todos mis propósitos desde que entré al grupo. Además, ¡mi familia por fin pudo ir a verme!
www.flickr.com/terpsichore_01
Salsa colombiana para el mundo
Campeones Mundiales de Salsa
Danza para dos
Entre bailarines se sabe que bailar en pareja siempre es de mayor dificultad que bailar como solista o en grupo, pues todos los ojos están puestos en la precisión, coordinación y acoplamiento de los únicos dos integrantes.
En el evento cultural llamado “Danza para dos” el único requisito para participar era ser la mejor pareja del género a interpretar, o por lo menos estar entre los mejores. Fue de esta manera que me mantuvieron, y al resto de espectadores que llenaron el teatro, pegada a la silla contemplando tan hermoso espectáculo.
La escenografía era nula, y de hecho hubiese sobrado, pues solo bastó con la música y la destreza de cada pareja para hipnotizar al teatro entero.
Vimos parejas bailando ballet, danza contemporánea, folklore colombiano (joropo), danza urbana, tango y un excelente cierre con los campeones mundiales de salsa, que para orgullo nuestro son colombianos.
Quisiera detenerme en cada una de las presentaciones y ahondar en la gracia del ballet, la ruptura que expone la danza contemporánea, la emoción que produce un joropo ejecutado impecablemente, por supuesto por llaneros; la fuerza de la danza urbana y el indiscutible erotismo del tango, pero tengo que hacerles un honor a la calidad del baile que nos mostraron Diana Vargas y Ricardo Murillo, quienes ganaron el Primer Campeonato Mundial de Salsa realizado en Las Vegas USA.
Colombia, y Cali más específicamente, son conocidas en el mundo de la salsa por la rapidez con la que son ejecutados los pasos, de hecho es como si cada paso respondiera al golpe de cada instrumento, así que ya se imaginaran la hazaña de estos bailarines.
Por supuesto que antes de ir a Danza para dos conocía como se baila la salsa en Colombia, y por eso siempre he afirmado que no sé bailar salsa. Pero nunca había tenido la oportunidad de comparar el estilo caleño con el de otras partes del mundo, y la verdad salimos muy bien librados, por decir algo muy modesto. Si uno ve el World Salsa Champioship se nota la gran diferencia con otros estilos enfocados más en una buena técnica, que algunas veces se queda en pura interpretación. Por su lado, los bailarines colombianos sienten la música y el baile, y eso, por supuesto, se refleja en la respuesta del público, debido a que se evidencia la gran acogida que tiene en el público el estilo de Cali, que no duda en demostrar su euforia frente a los bailarines colombianos.
Es muy complicado tratar de describirles con palabras como se baila salsa en Colombia así que mejor vean este video de los Campeones Mundiales de Salsa.
Bharata Natyan y el lenguaje de la danza Hindú
Las danzas clásicas de la India nacen con el monumental tratado de dramaturgia llamado Natya Sastra. Su autoría se atribuye al personaje mítico Bharata, quien vivió entre los siglos IV y V a.C. El tratado es considerado como un saber que mana directamente de los Vedas, es decir los versos en los que está consignado el saber sagrado de la tradición india y que son de inspiración divina.
A partir de él se derivan todos los estilos particulares de la India considerados como danza clásica. Entre ellos el Bharata Natyam se destaca por ser uno de los que mejor representa a la bailarina como una diosa, debido al vestuario, joyas, poses, la clara y precisa geometría de sus pasos y su significado.
Su origen se encuentra en las danzas efectuadas en los templos del sur de la India a partir del siglo VI. El arte sagrado del Bharata Natyam llegó a través de las bailarinas de los templos o “devadasi”, cuyo nombre significa “sirvienta de la divinidad”, y quienes eran las encargadas del rito de culto cotidiano. En el siglo XIX la danza sale de los templos a los teatros y fue en ese momento en el que tuvo un amplio reconocimiento.
Para comprender la práctica del Bharata natyam resulta imprescindible pensar en términos del ritmo, pues en el hinduismo el ritmo es la ley de la danza y de él depende la precisión gestual, el rigor de los desplazamientos y la belleza de la composición.
Tomemos por ejemplo el lenguaje de las manos o Mudras. El gran tratado ofrece un repertorio de 26 posiciones de una sola mano y 13 de ambas manos, con sus respectivas variantes. Un mudra puede representar las nubes, el bosque, el pecho, la noche, el río, el mundo de los dioses entre otros. Entonces, al igual que un poema cada gesto remite a otros gestos de los que nunca tendremos la clave definitiva. Los gestos encarnan la resistencia de las palabras a la univocidad de significado.
Por otro lado, la danza hindú requiere experimentar una deconstrucción del cuerpo en sus partes constituyentes. Proceso que no puede dejar de recordarnos el mito védico que asimila la idea del desmembramiento a la noción misma de creación. Según el mito la acción primigenia fue aquella mediante el cual el Hombre Primordial (Purusa) se dividió en un sacrificio para dar nacimiento al universo. Análogamente la bailarina reproduce ese sacrificio aprendiendo a dividir su cuerpo con rigor geométrico. De esta manera se exalta la articulación entre el cuerpo humano y el cuerpo del universo.
Otro del los puntos clave en el trabajo del interprete de Bharata Natyam se hace sobre el texto de la canción, que consiste en subrayar cada palabra con una sílaba rítmica. En vez de poner una secuencia de números la bailarina pone sílabas (Ta- Ki- Ta, Ta- Ka- Dhi-Mi) que encarna con el movimiento de su cuerpo y su voz al pronunciarlas. Aquí se puede ver la importancia otorgada a la palabra o al sonido, debido a que desde la antigüedad la India reconoce en la palabra una omnipotencia y una energía divinas. Es por esto que algunos afirman que para comprender esta cultura hay que pensar como un gramático, para comprender la relación de la danza con el ritmo.
Por último, esta danza enseña que lo importante no es ir de un punto a otro sino cómo ir de un punto a otro. La bailarina enfatiza el ritmo de los versos, sus manos inscriben en el espacio los trazados que hacen eco a la cadencia de la música y el rostro dará la tonalidad emocional al conjunto. Así es como el Bharata Natyam abre un espacio tiempo sagrado en el que lo más importante es el lenguaje de la danza.
El siguiente video es una muestra de una niña de tan solo 11 años bailando Bharatanatyam
